Exposition
“Céramique, le nouveau défi du street art”
Maison de la Céramique Architecturale Terra Rossa à Salernes

Du 24/06/2017 au 01/10/2017

C’est une grande première, les grands noms du street art se sont confrontés à un nouveau challenge : la céramique. Nick Walker, Miss Tic, M. Chat, Nasty, L’Atlas, Levalet, Jacques Villeglé, Jérôme Mesnager, Yang Mun-Gi, Speedy Graphito présenteront des œuvres uniques disponibles à la vente.

M. Chat, artiste franco-suisse qui tapisse les murs avec son félin au sourire béant, propose par exemple 25 exemplaires de chat en céramique à 1600€ et 8 exemplaires de tableaux en céramique à 1400€.
L’exposition est originale : les œuvres des artistes usant de techniquesclassiques (acrylique, huiles ou pierre) seront mises
en miroir avec les œuvres en céramique (1 à 5 œuvres par artiste), de façon à voir l’évolution des artistes sur 20 ans.

Eric Brugier et Laurent Rigail, galeristes parisiens réputés dans le street art, encollaboration avec Guy Moch, ont choisi un grand technicien de la céramique pour réaliser ces dernières : Jean Marie Foubert qui travaille à la Tuilerie de Treigny. L’audace du projet réside aussi dans le matériau : la céramique requiert en effet expérience et dextérité : « Je m’émerveille de ressentir ce lien étrange et puissant qui unit le travail des hommes pour la maitrise de cette alchimie : la terre, le feu et l’eau. » déclare Nicole Fanelli, maire de Salernes.

FERMETURE HEBDOMADAIRE LE MARDI

Juin, septembre :
Lundi : 15h – 18h
Du Mercredi au Dimanche : 10h / 13h – 15h / 18h

Juillet, août :
Lundi : 10h / 13h – 15h / 19h
Du Mercredi au Dimanche : 10h / 13h – 15h / 19h

Adresse musée Terra Rossa :
Quartier des Launes, Route des Quatre Chemins
83690 SALERNES

Entrée individuelle : 4€

Entrée pass sites : 3€

Entrée groupes : 2€/pers

Enfant -12ans : gratuit

Visite guidée sur réservation

Supplément guide : 1€ supp

LA MAISON DE LA CERAMIQUE ARCHITECTURALE TERRA ROSSA
Le musée Terra Rossa

La Maison de la Céramique Architecturale est située à Salernes, capitale régionale de la céramique, dans le Var. Cet ensemble architectural de 3800m² a été conçu et réalisé par Jean-Michel Wilmotte dont les créations sont connues au niveau international. L’espace hors du commun présente au public un ensemble d’expositions permanentes(archéologie, avec les céramiques parmi les plus anciennes d’Europe -7000 ans), des tomettes reconstituées telles qu’elles étaient au début du XXème siècle et 2000 carreaux décorés du Moyen Âge au XXème siècle.

En 2010, Terra Rossa a accueilli les premières céramiques réalisées par Daniel Buren, dont la notoriété internationale n’est plus à souligner.

En 2011 la première biennale de Céramique de Salernes voit le jour. L’exposition a regroupé près de 80 œuvres produites par une dizaine d’artistes tels que Zao Wou Ki, Bogart, Karel Appel, Corneille, Waydelich, Folon, Chu Tech-Chun, Miotte, Foubert, etc.

En 2013, la seconde biennale a été conçue en coopération avec la Ville d’Albisola en Italie et en partenariat avec les Céramiques San Giorgio. Parmi les œuvres exposées figuraient notamment des pièces de Lucio Fontana, Asger Jorns, Wifredo Lam, Sosabravo.

En 2015, la troisième biennale s’est construite en partenariat avec le Centre de Recherche des Arts de la Terre et du Feu de Limoges (CRAFT). Ses principales missions consistent à développer des projets d’artistes autour de la céramique.

Cette année, la biennale est axée autour du thème « street art et céramique ».
Enfin, Terra Rossa accueille également des concerts « au musée », des salles de réunion et des locaux administratifs ainsi que des ateliers de formation. Cet ensemble a vu le jour grâce à l’implication de partenaires essentiels : Europe, Etat, Conseil régional, Conseil général sans oublier la ville elle-même.

Depuis 2011 Guy Moch a été choisi par la ville de Salernes pour diriger et coordonnéer les biennales du Musée de Salernes. Féru d’art, il côtoie quotidiennement commissaires d’expositions et artistes. En effet, d’abord responsable Achats et Marketing aux Galeries Lafayette, il devient par la suite le créateur de la société Gimmick (posters graphiques américain).

Il poursuit sa carrière en tant que directeur de l’imprimerie Negro de Draguignan (affiches et livres d’artistes) puis il devient le directeur des collections des Editions Navarra (estampes et monographies d’artistes).

En 1992, il crée la société GM Arts qui diffuse, édite des estampes d’art et des céramiques. La société met également en place des expositions « clés en main ».

En 2010, il devient le commissaire d’exposition à la Maison de la Céramique de Salernes.

Guy Moch est également à l’initiative d’une galerie de street art à Honfleur. Située dans une rue pittoresque de la ville, les visiteurs pourront aussi profiter d’une balade dans ce lieu historique.Curieux et dénicheur d’artistes renommés, il est constamment en quête de nouvelles pépites prometteuses à exposer. Fort du succès de la dernière exposition en 2016 avec la participation de M. Chat, il décide de renouveler cette expérience cet été sous le nom de la « Galerie éphémère 3 ».

Olivier Rizzo alias Speedy Graphito est né en 1961. Artiste précurseur, il est reconnu comme l’un des pionniers du mouvement Street Art français. Après des études artistiques à l’école Estienne à Paris et une très brève carrière de directeur-artistique dans la publicité, il intègre pendant un an le collectif X-Moulinex en 1983. Peu à peu, il créé le“Style Graphito” à travers ses graffs, exécutés au pochoir ou au pinceau. Sur le mur de Paris et d’ailleurs, il représente des personnages dynamiques, joyeux et colorés. 
Il explore également la peinture, la sculpture, la photographie, l’art vidéo, l’art numérique ainsi que la performance, lors de festivals, de ventes aux enchères ou d’expositions. Aujourd’hui, son œuvre est influencée par l’iconographie de la pop culture. On retrouve en effet dans ses fresques de célèbres personnages issus de comics, de Disney,des marques publicitaires ou des jeux vidéo. Il peut se prévaloir denombreuses commandes publiques (la plus grande fresque d’Europeréalisée sur l’AGORA à Evry: 5000m²) et interventions dans des musées ou centres culturels (institut Français de Naples, Institut Français de Prague, Ambassade de France à Tokyo, Musée de Dieppe, Musée d’Ingres, etc).

A propos de Levalet

Charles Leval, dit Levalet, est né en 1988 à Epinal. Il vit et travaille à Paris.  Il grandit en Guadeloupe, région où il entre en contact de la culture urbaine et des arts plastiques. A 13 ans, il commence à peindre sur les murs de l’île. De retour en métropole à 17 ans, il étudie les arts visuels à Strasbourg Il poursuit ses études d’arts visuels à Strasbourg, son travail, alors davantage tourné vers la vidéo, se nourrit d’une pratique théâtrale assidue.
Il obtient l’agrégation en 2012, année où son travail commence à prendre place dans les rues de Paris. Il n’enseigne plus aujourd’hui et est désormais artiste « à plein temps ».  Il a participé à de nombreuses expositions collectives et « solo » (Allemagne, France, Malaysia, Italie, Norvège, Singapour, Danemark etc.) ainsi qu’à des festivals d’arts urbains internationaux.
L’œuvre de Levalet est avant tout un travail de dessin et d’installation. Il met en scène ses personnages dessinés à l’encre de chine dans l’espace public, dans un jeu de dialogue visuel et sémantique avec l’environnement présent. Les personnages interagissent avec l’architecture et se déploient dans des situations frôlant souvent l’absurde.

A propos de Nick Walker

Nick Walker est l’un des street artistes le plus connu au monde. Né en 1969, il vient de la scène graffiti infâme et avantgardiste de Bristol du début desannées 1980.
En tant que précurseur du phénomène des graffitis britanniques, le travail de Nick est devenu un modèle pour des centaines d’artistes émergents. Son travail est en constante évolution et toujours innovant, moderne et stimulant. Nick s’appuie sur l’énergie et l’imagerie du graffiti mais il réussit à combiner la liberté qu’il procure avec une maitrise parfaite du pochoir. Les résultats sont très sophistiqués et admirables.

Les méthodes qu’il utilise conservent leur force et leur intégrité sur le support traditionnel de la toile. Le style et l’humour immédiatement reconnaissable de Nick Walker lui ont permis d’acquérir une notoriété mondiale. En 2008, les spectacles de Nick se font à guichet fermé à Los Angeles et à Londres. La même année, son emblématique Moona Lisa a été vendu plus de dix fois sa valeur estimée en vente aux enchères chez Bonhams.

A propos de Miss. Tic

Poète, plasticienne et figure incontournable du street art, Miss.Tic développe un univers pictural et poétique qu’elle imprime au pochoir sur les murs de Paris depuis 1985. Avec des dessins de femmes caractéristiques et des phrases incisives,ses créations expriment la liberté. Tout son art repose sur un subtil mélange de légèreté et de gravité, d’insouciance et de provocation.
Présente dans les galeries comme dans l’espace public, elle mêle dans son œuvre les supports pérennes et les interventions éphémères.
Régulièrement exposée depuis 1986 en France comme à l’étranger, réclamée par le milieu de la mode (Kenzo, Louis Vuitton…) et approchée par le monde du cinéma (elle a conçu en 2007 l’affiche de La Fille coupée en deux, de Claude Chabrol), Miss.Tic a participé à l’édition 2010 du Petit Larousse en illustrant des mots de la langue française.
Représentée dans les foires internationales d’art contemporain, certaines de ses œuvres ont été acquises par le Victoria and Albert Museum, à Londres et le Fond d’art contemporain de la ville de Paris.
L’art de Miss.Tic naît de la vie et s’y inscrit. Ses œuvres s’adressent à tous et font du public leur destinataire attitré et critique.

M. Chat, alias Thomas Vuille est un artiste franco-suisse qui tapisse les murs depuis 1997 avec son félin au sourire béant.
Faisant de cette créature énigmatique sa marque de fabrique il va jusqu’à en devenir indissociable.
Ce félin, seul ou accompagné, avec ou sans ailes, se balade dans les rues d’Orléans avant de faire son arrivé dans la capitale. Il est un étendard urbain de joie et d’optimiste, recouvrant le métro ou un mur dans la rue et s’adressant directement aux passants. L’artiste l’a pensé dans une démarche de street art, de culture de quartier et de proximité.
En étant épuré, simple, avec des lignes claires, ce dessin s’est élevé au rang de symbole. M.Chat peutchanger de couleurs et de postures, il reste toujours fidèle à celui qu’il est. L’une des particularités de ce fauve des villes est d’être représenté dans des lieux qui paraissent alors inaccessibles.
Avec ses allures de cartoons il n’est pas sans nous rappeler le malicieux personnage présent dans le roman de Lewis Carroll, Le Chat du Cheshire, aux côtés d’Alice aux Pays des Merveilles, avec ce même sourire qui ne défailli jamais.

N.A.S.T.Y. est une référence incontournable du graffiti parisien. Il commence en 1988 et se distingue rapidement en peignant des fresques en couleur sur les métros. Après avoir rejoint le collectif AEC (Artiste en Cavale) en 1990, c’est en 1992 qu’il expose pour la première fois à Paris et entame ainsi le réel développement de son art.
Son nom apparaît dans les tunnels du métro, sur les quais de Seine et le long des voies ferrées. Parallèlement, il a participé à de nombreuxprojets publicitaires (1664, Mercedes, Bnp Paribas, Burn, Bic, Nestlé…) ou encore dans l’univers des “artoys”: Kidrobot et Toy2R à Hong-Kong.
Dans ses expositions, Nasty met en scène les fameuses plaques en émail du métro parisien dont il s‘empare depuis une quinzaine d’années. Il utilise aussi les plans du métro et perpétue ainsi l’esprit originel du graffiti. Ses plaques remportent un véritable succès lors des ventes aux enchères consacrées à l’art urbain (Artcurial, Drouot…).
Enfin, Arte lui a consacré un documentaire en 2009.

Jules Dedet, plus connu sous le nom de « L’Atlas », est un artiste français de street-art né en 1978.
Méticuleux, à la recherche d’une certaine pureté tant dans la forme que dans le choix des couleurs utilisées, L’Atlas exprime à travers sa vie et son art la philosophie asiatique de la dualité comme source de complémentarité. A travers ses œuvres presque hypnotiques, on retrouve une dichotomie entre le noir et le blanc.

Refusant des études académiques et une vie conformiste, il abandonna ses études d’histoire de l’art pour se consacrer entièrement à son amour de l’écriture.

Il choisit de partir au Maroc puis en Egypte pour étudier l’art de la calligraphie arabe auprès de grands maîtres et professeurs. De retour à Paris, iltransposa les techniques arabes anciennes avec les médiums contemporains que sont le scotch et le spray sur des toiles et des posters. Il crée alors une signature unique et universelle inspirée dulabyrinthe, qui est toujours un motif récurrent dans ses œuvres.
Ces boussoles et ces labyrinthes faits de gaffer (ce scotch blanc utilisé sur les plateaux de cinéma) et appliqués sur le sol sont une invitation à la réflexion. Dans chacune de ces œuvres, vous pouvez toujours deviner un mot, plus au moins dissimulé, ce qui est une des caractéristiques inhérentes à l’art urbain auquel il appartient. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées et institutions comme le Centre George Pompidou, le Palais de Tokyo ou encore le Grand Palais.

Jacques Villeglé, est né à Quimper en 1926. Peintre et plasticien français, membre fondateur des Nouveaux Réalistes, Il est considéré comme le chef de file des affichistes.

Au début des années 50, Villeglé se désigne”affichiste” et révèle “la guérilla des signes”. Il tient “le journal du monde de la rue”.Il collecte, classe et montre ses décollages d’affiches, “reflet de la culture dominante”. Il veut faire une œuvre populaire et apporter le témoignage de la vie d’une époque (contexte politique, social, culturel).
À partir de décembre 1949, avec Hains, Villeglé ramasse des affiches lacérées. Leur première affiche, “Ach Alma Manétro”, est une œuvre commune. Depuis 1957, l’œuvre sélective de l’artiste a donné lieu à plus de 140 expositions personnelles en Europe et en Amérique. En 1958, Villeglé rédige une mise au point sur les affiches lacérées intitulée “Des Réalités collectives”. C’est la préfiguration du manifeste duNouveau réalisme. Puis, il crée l’entité Lacéré Anonyme en 1959. A partir de 1969, il imagine un“alphabet socio-politique” en hommage à Serge Tchakhotine.
En 2007, l’artiste commence un travail de sculpture utilisant des techniques traditionnelles(bronze, verre) comme des techniques industrielles (acier corten, inox poli miroir, fonte).

Jérôme Mesnager, est un ébéniste diplômé de l’école Boulle en 1974.

Il est l’un des fondateurs, en 1982, de Zig-Zag,un groupe d’une dizaine de très jeunes artistes qui décident d’occuper la rue ou des usines désaffectées en dessinant des graffitis.
En 1983, il invente l’Homme en blanc, “un symbole de lumière, de force et de paix”. Il a reproduit cette silhouette blanche à travers le monde entier, des murs de Paris à la muraille de Chine.
En 1990, Il exposera une série de palissades dans leXXème arrondissement de Paris sur le thème des combats à la galerie Loft. En 1995, il réalise une grande peinture murale rue de Ménilmontant, dans le XXème, “C’est nous les gars de Ménilmontant”.
Jérôme Mesnager s’associe souvent avec Némo,dont le personnage fétiche est la silhouette noire d’un homme en imperméable coiffé d’un chapeau. À ce titre, il a accompagné le mouvement d’art urbain parisien (Blek le rat, Miss.Tic, Jef Aérosol, Némo, etc.) et la Figuration Libre au début des années 1980.
En 2006, Jérôme réalise une série de toiles inspirées par l’art nouveau et l’art déco. La même année, il s’attaque à l’Hôtel des Académies et des Arts à Paris et envahit l’espace avec sesCorps blancs.

Yang Mu-Gi est né en 1970 en Corée du Sud et estdiplômé des Beaux-Arts de l’Université de Chosun. En 2012, l’artistesculpteur a présenté“Story of Luxury Stone” au Musée d’art d’Okgwa, en Corée du Sud. Cette exposition révélait l’attention toute particulière qu’il porte à lasignification du sac de luxe en exploitant lespotentialités esthétiques de la pierre.
Ces Luxury stones vont bien au-delà d’une simple imitation ou représentation d’objets luxueux. En effet, la fonction utile du sac disparaît pour se transformer en icône. Seul le désir de possession,lié à l’identité visuelle unique de chaque marque, est conservé. Le détournement porte donc aussi sur le matériau.

Ces Luxury stones suggèrent tout autant le caractère à la fois massif de la consommation des marques de luxe, que les sacrifices humains qu’implique le processus de production et d’acquisition des marchandises de luxe.