LE PRIX DU DESIGN
Le Prix du design de l’Institut du monde arabe, créé en 2023, a pour ambition de mettre en lumière les designers émergents et confirmés du monde arabe dans une optique de démonstration des savoir-faire, du génie productif, de la création de nouveaux matériaux. Ils proposent une lecture contemporaine de l’exceptionnel art de vivre du monde arabe à travers le prisme du design.
Réunissant un jury prestigieux, il distingue les designers du monde arabe dans les catégories talent émergent, talent confirmé et talent entrepreneurial.
Présidé depuis 2013 par Jack Lang, l’Institut du monde arabe a pour mission de mettre en lumière les cultures arabes dans leur richesse et leur diversité. Patrimoines, arts visuels, arts vivants, littérature, langues, sciences humaines…sont autant de domaines que l’IMA explore et met à la portée du plus grand nombre. C’est donc tout naturellement qu’il a souhaité lancer, pour la première fois en France, un « Prix du design » dédié à la création design du monde arabe.
Une exposition consacrée aux candidats sélectionnés et aux lauréats se tiendra dans les espaces de l’IMA du 4 au 14 septembre (entrée libre).
L’AMBITION DU PRIX
Deux axes : Tradition et transmission, identités et futurs
Essentiels pour la compréhension des mondes arabes contemporains, ces thèmes révèlent les valeurs inhérentes à la création : la tradition et sa transmission comme source d’inspiration et d’imagination de futurs possibles.
Une ouverture à un public international
« Le Prix du design de l’Institut du monde arabe » présente au public français, européen, mais aussi international, la richesse de la scène design de la région.
Des rencontres entre professionnels arabes, français et internationaux
Les événements autour du Prix seront une opportunité pour les professionnels de se rencontrer, d’échanger et de partager leurs projets au cœur de Paris Design Week – promesse du rayonnement des identités et des marques.
GOUVERNANCE
Institut du monde arabe:
Jack Lang
Président
Frédérique Mehdi
Directrice des actions culturelles
Philippe Castro
Directeur de cabinet du Président
Co-concepteurs du projet:
François Leblanc di Cicilia
Consultant expert en design
Ismail Tazi
Fondateur de l’editeur de design TRAME
JURY
Présidente du Jury 2025:
Lina Ghotmeh
Architecte fondatrice de Lina Ghotmeh Architecture
Membres du Jury 2025:
Loulwa Al Radwan
Interior designer, INTERIA
Fahad Ahmed Al-Obaidly
Directeur du design de la Biennale de Doha
Aziza Chaouni
Architecte et fondatrice du cabinet de design Aziza Chaouni Projects
Mariana Wehbe
Fondatrice de WE Design Beirut
Mohammed Hafiz
Co-fondateur et CEO de ATHR Gallery
Clémence Leboulanger
Rédactrice en chef, Elle Décoration
Elias & Yousef Anastas
Architectes, partenaires de AAU Anastas et cofondateurs de Local Industries, Radio Alhara et Wonder Cabinet
Aidan Imanova
Responsable éditoriale, AD Middle East
PRÉSENTATION DES PRIX
L’Institut du monde arabe distingue des designers du monde arabe par l’attribution de prix dans trois catégories :
1. PRIX « TALENT ÉMERGENT » (étudiant ou designer dont la pratique professionnelle a moins de 10 ans)
Ce prix porte une attention particulière sur les solutions apportées aux problématiques propres aux pays arabes, les procédés de fabrication et le potentiel de développement.
2. PRIX DE L’ARTISANAT CONTEMPORAIN
Tourné vers l’avenir, ce nouveau Prix, créé sous l’impulsion de Nada Debs, couronne un artisanat revisitant les traditions (y compris par l’utilisation des innovations technologiques) pour répondre aux enjeux contemporains, tels que la durabilité, la personnalisation et la valorisation des patrimoines locaux.
3. PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND
Ce prix distingue l’impact social (éducation et transmission, sauvegarde des territoires, protection des populations) ; l’impact environnemental (solution écologique, production locale, valorisation de matériaux à faible émission carbone) ; et l’impact économique (développement de procédés opérants, des technologies, modernisation des traditions, développement de l’emploi).
4. GRAND PRIX (architecte ou designer dont la pratique professionnelle est supérieure à 10 ans)
Ce prix récompense une réalisation concrète, objet ou réalisation d’architecture intérieure, révélant le talent du ou de la créateur.trice développé tout au long d’une carrière reconnue.
LA CÉRÉMONIE DE REMISE DES PRIX, ACCESSIBLE SUR INVITATION, SE DÉROULERA
LE 3 SEPTEMBRE À PARTIR DE 19H
LES FINALISTES
CANDIDATS SÉLECTIONNÉS DANS LA CATÉGORIE
« TALENT ÉMERGENT »
– ABDULRAHMAN AL MUFTAH
– KENAN ALKUWATLY
– BAHRAINI – DANISH
– CIVIL ARCHITECTURE
– FARES DHIFI
– BADIH GHANEM
– YASMIN TAMS
– DJAFFAR ZIZI
TALENT ÉMERGENT_Abdulrahman Al Muftah
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Abdulrahman Al Muftah, Rain on Materiality, 2024, Qatar
Abdulrahman Al Muftah est un designer qatari multidisciplinaire dont le travail porte sur la nature, l’innovation, la conceptualité et un lien profond avec la culture arabe immatérielle. Il a étudié l’architecture d’intérieur à la Parsons School of Design et le design d’entreprise à la Virginia Commonwealth University.Il poursuit actuellement un doctorat en sciences humaines et sociales.
Trois grandes feuilles de cuivre peintes illustrent de manière saisissante la façon dont chaque gouttelette de pluie qui y est gravée crée un récit, nostalgique, sur les panneaux d’affichage métalliques disséminés dans le paysage du Qatar. Créée par l’artiste qatari Abdulrahman Al Muftah, cette oeuvre explore l’interaction dynamique entre les structures construites par l’homme et la nature. Dans un paysage où le développement urbain rencontre les éléments, l’art d’Al Muftah reflète l’équilibre délicat entre ces forces contrastées.
TALENT ÉMERGENT_Kenan Alkuwatly
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Kenan Alkuwatly, SYNTH Collection, 2022, Syrie
Kenan Alkuwatly est un designer-chercheur né à Damas, actuellement basé en Allemagne. Son travail porte principalement sur l’artisanat traditionnel dans la région du Levant et sur le manque de dialogue entre celui-ci et la scène du design contemporain dans la région et dans le monde. Il étudie les défis auxquels cet artisanat est confronté et explore les possibilités de le préserver
à l’avenir.
La collection SYNTH a été développée pour explorer deux questions centrales : comment l’artisanat peut-il être préservé et recontextualisé au XXIe siècle ? Comment le design et la technologie numérique peuvent-ils remodeler notre compréhension de la préservation elle-même ?
Au fil du temps, la signification du terme « artisanat » a évolué, passant du travail purement manuel à un ensemble plus large de valeurs : la qualité, l’intentionnalité et la maîtrise.
SYNTH adopte ce point de vue en fusionnant l’incrustation traditionnelle de bois levantin avec le design informatique contemporain, remettant en question les fausses frontières : fait main contre vs machine, traditionnel vs numérique, authentique vs innovant.
TALENT ÉMERGENT_Bahraini – Danish
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Bahraini – Danish, Surface!, 2024, Bahreïn-Danemark
Bahraini – Danish est un bureau d’architecture qui s’intéresse de près à l’environnement immédiat, à l’histoire et à la culture. Son travail touche à de nombreux genres – objets de design, bijoux, meubles, installations, intérieurs et bâtiments. Concerné autant par le passé, le présent que l’avenir, le bureau, parallèlement à la fabrication d’objets et d’environnements, contemple leurs
détails et leur immensité par le biais de la recherche, de l’écriture et de la photographie.
Développé dans le cadre d’une résidence à AlUla, Surface! est un système flexible composé de demi-tubes en acier inoxydable qui s’emboîtent les uns dans les autres. Positionnée entre écran, palissade, rideau et mobilier, l’oeuvre sert d’interface entre les matériaux, les espaces et les topographies. Elle fonctionne tantôt comme une armature d’ombrage, tantôt comme une cloison. Sa forme adaptable lui permet de servir de médiateur entre différents publics, structures privées et
temporaires qui apparaissent dans différents environnements et milieux.
TALENT ÉMERGENT_Civil Architecture
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Civil Architecture, Sun Path, Rajab to Shawwal 1444, 2025, Koweït
Le travail de Civil Architecture s’intéresse à ce que signifie produire de l’architecture dans une époque résolument non civile. Depuis sa création par Hamed Bukhamseen et Ali Karimi, le cabinet a attiré de nombreux adeptes sur le site pour ses travaux tournés vers un avenir alternatif dans un Moyen-Orient naissant. Il aborde les thèmes de l’extraction, de l’écologie et des nouveaux récits environnementaux pour le Golfe exportateur de pétrole. Civil Architecture a notamment conçu le pavillon du Koweït à la Biennale de Venise de 2016, et son travail a été présenté à la Triennale d’architecture d’Oslo, à la Biennale de Séoul, à la Semaine du design d’Amman, au CAC de Cincinnati, à l’Expo 2020 et à la Biennale du design de Doha. Ils ont donné des conférences dans de nombreux établissements universitaires internationaux.
Traditionnellement, les cours des mosquées comportent un cadran solaire qui indique l’heure des cinq prières quotidiennes ; elles sont des espaces où le grand public peut aligner sa perception du temps sur le mouvement des corps célestes.
Puisant dans l’histoire de l’architecture en tant que dispositif, comme l’observatoire d’Ulug Beg ou Jantar Mantar, l’installation Sun Path, Rajab to Shawwal 1444 traite l’architecture non pas comme une machine, mais comme un système de mesures plus proche d’un capteur – sentant et parfois s’alignant sur le mécanisme d’horlogerie de l’univers.
TALENT ÉMERGENT_Fares Dhifi
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Fares Dhifi, Comme un Phare, 2024, Tunisie
L’approche créative de Fares est basée sur la narration. Inspiré par les récits de son enfance, il développe une esthétique hybride qui explore les liens entre imaginaire, mémoire et fonction à travers une matérialité sensible et des formes sculpturales.
En revisitant l’utilité fondamentale des outils techniques, physiques et numériques, il crée des objets saisissants et pratiques, brouillant les frontières entre abstraction et fonctionnalité.
Comme un Phare est une série de sculptures lumineuses en acier inoxydable fabriquées à la main qui fusionnent les sensibilités du design contemporain avec la profondeur de l’expression sculpturale. Chaque lampe est conçue comme un élément d’une trilogie lumineuse, servant de guide symbolique qui explore la relation entre la forme, la lumière et la narration.
Créé en Tunisie, un pays où le design contemporain de collection est encore émergent, le projet répond aux défis locaux en matière d’infrastructure de production, d’autonomie créative et de contraintes économiques. Il vise à revaloriser le rôle des objets quotidiens en tant que porteurs d’émotions et marqueurs culturels.
TALENT ÉMERGENT_Badih Ghanem
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Badih Ghanem, Remember Love?, 2025, Liban
Badih Ghanem est un architecte libano-français né à Beyrouth en 1985. Diplômé en architecture en 2009, il travaille dans des agences d’architecture et de design urbain à Beyrouth avant de s’installer à Paris en 2010, où il poursuit un master en urbanisme.
En 2017, il crée son propre cabinet, travaillant à différentes échelles, de l’architecture d’intérieur au logement, en passant par les bureaux et les projets urbains. Son travail se définit par une approche minimale et épurée qui met l’accent sur les monomatériaux et s’inspire des objets du quotidien.
Remember Love ? est née de la nécessité de faire face à la dissonance émotionnelle de la vie urbaine post-traumatique. Il s’agit d’une collection de cinq objets réfléchissants en acier inoxydable qui transforment des formes libanaises quotidiennes – une chaise en plastique, une lampe à gaz, une brique, un miroir et les silos à grains de Beyrouth – en vaisseaux de la mémoire et
de l’endurance.
Chaque pièce réinterprète l’ordinaire pour explorer les thèmes de la fragilité, de l’identité et de la continuité face à la rupture sociale et politique en cours.
TALENT ÉMERGENT_Yasmin Tams
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Yasmin Tams, Irth Siti, 2023, Palestine
Yasmin Tams est une designer/fabricante originaire de Jérusalem, en Palestine. Influencée très tôt par sa grand-mère et ses parents, elle a développé un lien profond avec la narration, l’artisanat et l’héritage culturel. Confrontée aux réalités politiques de son pays, Yasmin a choisi le design comme forme de résistance, axant son travail sur la préservation des traditions palestiniennes et arabes plutôt que sur l’adoption de langages de conception déconnectés.
Dans de nombreux foyers palestiniens, le soin et la guérison sont un héritage transmis de mères en filles – non pas dans des livres mais à travers des récits, des odeurs, le toucher et la mémoire. Ces traditions, essentiellement portées par les femmes, sont menacées par la colonisation, les déplacements, la domination de la médecine moderne. Irth Siti explore la façon dont le design peut documenter et traduire des savoirs populaires en des formes contemporaines, en sorte de les préserver pour les générations futures. Les quatre objets de cette série sont fabriqués à la main, axés sur la narration, intégrant souvent des couches de mémoire culturelle et d’histoire personnelle : une compresse thoracique pour la toux ; une tasse à thé thérapeutique pour l’infusion et l’inhalation d’herbes médicinales ; un compte-gouttes pour les infections de l’oreille ; un chapelet pour introduire davantage de spiritualité dans le processus de guérison. S’éloignant de l’orientation industrielle de ses études de premier cycle en design industriel, Yasmin adopte désormais des méthodes plus lentes et plus intentionnelles qui honorent l’essence de chaque histoire et les communautés dont elles sont issues.
TALENT ÉMERGENT_Djaffar Zizi
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Djaffar Zizi, Dunes, 2025, Algérie
Designer-concepteur et architecte d’intérieur, formé aux Beaux-Arts d’Alger et aux Beaux-Arts de Saint-Étienne, Djaffar Zizi considère le design comme une passion autant qu’un engagement. Il puise son inspiration dans le paysage, le patrimoine, la matière et le savoir-faire, qu’il cherche à valoriser afin d’affirmer une identité. Il accorde une grande importance à l’indissociabilité entre l’objet et l’espace, dans une quête constante de sens et de présence. Toujours en dépassement de lui-même, ses créations naissent de visions multiples et de sa propre histoire.
Tel un écho lointain des âges, l’océan et le désert se répondent dans un dialogue silencieux de formes et de forces. Tous deux partagent une dynamique de surface, une mobilité incessante. Les vagues de l’un, tantôt douces caresses scintillantes, tantôt furies déchaînées qui rappellent notre insignifiance face à l’immensité. Les dunes de l’autre, écharpes de soie ocre et or, sans cesse redessinées par les brises vagabondes, mais capables, sous le souffle violent des vents, de se dresser en murs menaçants.
C’est dans cette dualité fascinante, cette conversation muette entre l’eau et le sable, qu’a germé l’idée d’un mobilier – un paravent et des luminaires – qui en capture l’essence. Dans une esthétique contemporaine, née de la rencontre entre la vision créative et la dextérité manuelle, le bois et le verre, matières nobles traversant le temps et les civilisations, deviennent les médium de cette
transposition poétique. Chaque volume, chaque courbe sont pensés avec une précision intuitive, et racontent l’histoire du vent sur le sable.
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CANDIDATS SÉLECTIONNÉS DANS LA CATÉGORIE
« ARTISANAT CONTEMPORAIN »
– ATELIERS ZELIJ
– ANISSA BEDOUI
– BEIT COLLECTIVE ET HAMZA MEKDAD
– IZRI DESIGN
– SHEWEKAR ELGHARABLY
– JULIA IBBINI
– SARA JOMAA
– DORRA KHLASS
– STUDIO SAFFAR
– YASSINE TOUATI
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Ateliers Zelij
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Ateliers Zelij, Froisser les Murs, 2025, Maroc-France
Ateliers Zelij est né en 2003 de la rencontre entre Samir Mazer, artiste, et Delphine Laporte, architecte d’intérieur, au cours d’une formation en design industriel. Passionnés par les revêtements de surface et les matières artisanales, la fusion entre design, innovation et artisanat, le zellige a été le premier matériau à être investi comme un incroyable champ d’expérimentation. Samir Mazer, entité créative du duo, casse les codes pour créer un nouveau langage, jouant avec les formes, les textures et les nuances. Le zellige est ainsi projeté dans une nouvelle ère.
Avec Froisser les murs, Ateliers Zelij propose une expérience sensorielle où chaque pli raconte un fragment d’humanité, tissant un lien entre visible et invisible, créant des surfaces sculpturales pour l’architecture et le design contemporain.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Anissa Bedoui
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Anissa Bedoui, Origin(e), 2025, Tunisie
Consultante en design, spécialisée en création d’espaces et objets contemporains ancrés dans le patrimoine méditerranéen, Anissa Bedoui s’est formée aux Beaux-Arts de Tunis. Sa pratique du design puise dans un socle artistique rigoureux et sensible, enrichi par une double spécialisation en sciences et technologies du design. Cette approche lui permet de l’aborder comme un langage complet, où l’esthétique rencontre l’usage, et où chaque création porte une intention profonde.
Meriem est la première pièce de la collection Origin(e), une série d’objets qui se veut exploratrice de la mémoire artisanale et des matériaux bruts à travers une approche contemporaine du design. Ce miroir mural, façonné à la main en terre cuite incarne une quête, celle de reconnecter la création contemporaine, le savoir-faire ancestral et l’engagement écologique.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_BEIT Collective et Hamza Mekdad
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BEIT Collective et Hamza Mekdad, The Essence of Home, 2024, Liban-France
Emilie Skaff est la fondatrice et la directrice générale de BEIT Collective, une plateforme créative dédiée à la préservation et à l’élévation de l’artisanat traditionnel par le biais du design contemporain. Avec une formation aux Beaux-Arts et arts décoratifs de l’Institut d’art de Sotheby’s et une expérience pratique dans des galeries telles que la Galerie Kreo et les principales foires internationales, Emilie apporte à son travail une sensibilité unique de commissaire d’exposition.
Hamza Mekdad est directeur créatif, artiste visuel et fondateur de Hammerspace, un studio de design multidisciplinaire basé entre Beyrouth et Dubaï. Connu pour avoir conçu certains des clubs, festivals et événements expérientiels les plus emblématiques de la région MENA, le travail de Hamza s’inspire profondément de la culture visuelle et matérielle du Levant.
The Essence of Home réinvente des objets quotidiens – un hachoir à viande, un évier, un brasero – en tant que vaisseaux sculpturaux de la mémoire. Aplatis en souvenirs bidimensionnels, puis « regonflés » par l’artisanat, ils en ressortent à la fois étranges et familiers. Ils sont symboliques, texturés et légèrement déformés, comme le sont souvent les souvenirs.
Chaque objet est fabriqué à l’aide de techniques traditionnelles du Levant : martelage du laiton, tournage du bois, broderie, matelassage et couture du cuir. Ces pratiques ne sont pas simplement décoratives, elles sont des outils essentiels de continuité émotionnelle et culturelle.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Izri Design
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Izri Design, Collection TISSURA, 2024, Maroc
Brahim Boucheikha est designer, typographe et enseignant. Il développe depuis plus de dix ans un travail autour des écritures multiscriptes (latin, arabe, tifinagh) et du design interculturel. Formé à la calligraphie arabe et au design graphique à Paris, il enseigne la typographie à l’ESAV de Marrakech et dirige Mistar, un studio de design graphique, et Babelfont, une fonderie de caractères.
Avec Izri Design, il explore le lien entre formes typographiques, artisanat et objets du quotidien.
La collection Tissura (ⵜⵉⵙⵙⵓⵔⴰ), mot amazigh signifiant « superposition », explore le potentiel graphique de l’écriture à travers un objet du quotidien : l’assiette. Chaque pièce est pensée comme une composition typographique tridimensionnelle où les lettres – arabes, tifinagh ou latines – deviennent formes, rythmes et textures. Fabriquées au Maroc par des maîtres potiers et peintres sur céramiques, ces assiettes sont façonnées à la main, dans une logique de production durable et de respect des savoirs-faires locaux. La typographie y est appliquée à la main ou au pochoir, en peinture céramique, avant cuisson.
Tissura incarne ainsi la volonté d’Izri de faire dialoguer la lettre et la matière, le patrimoine et la modernité, dans des objets à la fois chargés de mémoire et résolument tournés vers l’avenir.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Shewekar Elgharably
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Shewekar Elgharably, The Juzur Armchair, 2025, Égypte
Après avoir obtenu une licence en administration des affaires à l’université américaine du Caire, Shewekar Elgharably poursuit sa passion pour l’architecture et le design et obtient une licence en décoration d’intérieur à l’Université internationale d’art et de design de Miami. De retour en Égypte en 2002, avec une inspiration renouvelée, elle crée son propre studio de design d’intérieur. En 2017, elle élargit son champ d’action à la conception de meubles et lance Shewekar, sa ligne de meubles de luxe.
Ode au palmier, ce fauteuil incarne notre lien avec la nature. Le dossier fait écho à la fois à la colonne vertébrale de l’homme et aux racines de l’arbre, rappelant ainsi nos origines communes. Des motifs audacieux et des couleurs vives, réalisés dans des placages exquis, font de ce fauteuil une pièce d’apparat captivante.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Julia Ibbini
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Julia Ibbini, Kyma:vessel, 2025, Jordanie-Angleterre
La pratique de Julia Ibbini explore les langages du motif et de l’ornement par le biais de l’artisanat et de l’informatique. Elle étudie l’évolution des motifs, cherchant à comprendre comment ils ont traversé les cultures et les continents au fil des siècles. La géométrie, la structure et les systèmes de répétition sont au coeur de sa pratique, permettant d’atteindre des niveaux élevés de complexité grâce à une simplicité sous-jacente. Une grande partie de son intérêt réside dans la rupture avec les règles et la structure afin de créer de nouvelles façons de voir l’ornementation ; la symétrie est brisée, les modèles déconstruits.
Dans cette pièce, un treillis complexe de courbes en cimaise répétées et réfléchies a été développé pour le motif. Julia Ibbini brise le motif, permettant aux structures sous-jacentes d’être exposées, et prolonge les lignes courbes de manière à ce qu’elles ondulent sur la surface de la pièce, apparaissant presque comme des fils.
En collaboration avec l’informaticien Stéphane Noyer qui développe sur mesure toute la géométrie informatique et l’ingénierie logicielle nécessaires à la création des oeuvres, le processus de fabrication remet en question les applications industrielles typiques en combinant des techniques et des matériaux de manière inhabituelle. Les algorithmes de géométrie informatique, souvent utilisés pour l’analyse scientifique, servent ici à calculer l’application précise de motifs détaillés sur des formes tridimensionnelles. Le moulage en feuille, généralement utilisé dans les grandes applications industrielles, est appliqué ici à l’échelle miniature.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Sara Jomaa
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Sara Jomaa, Filigrane – Tamtouma – Infini – Contemporain, 2024-2025, Tunisie
Originaire de Ksour Essaf, Sara Jomaa a grandi dans une région reconnue pour son artisanat exceptionnel, où le tissage de la soie, la broderie et la bijouterie en fil d’argent et d’or sont des traditions vivantes. Dès son plus jeune âge, elle est initiée aux arts manuels par sa mère, et développe une affection pour la création.
Diplômée des Beaux-arts de Tunis en design produits, elle esquisse ses premières créations de bijoux, puis ouvre son propre atelier de bijouterie. Peu à peu, elle apprivoise chaque étape de la confection, jusqu’à maîtriser pleinement l’ensemble du processus, du concept à la pièce finie.
Son travail est une fusion entre héritage et innovation, offrant des pièces uniques qui racontent une histoire, la sienne et celle de son patrimoine.
Le fil d’argent est le matériau de prédilection des bijoux de Sara Jomaa: il relie les formes, les mémoires, les symboles qu’elle collecte et réinterprète. Son travail rend hommage aux maîtres artisans du passé et puise dans les motifs vernaculaires – le zigzag, l’infini, la queue de poisson, le filigrane – non pas pour les figer, mais pour en libérer la dynamique. Le bijou devient alors architecture vivante : il se déploie, s’attache au corps, dialogue avec le vêtement ou l’allure. Ce projet témoigne de la fascination de la créatrice pour les objets anciens du quotidien, ces « maîtres silencieux » comme les appelait Rosanjin. Dans cette collection, elle fait apparaître ce que l’artisanat recèle de contemporain : sa capacité à muter, à émouvoir, à proposer des formes nouvelles à partir de gestes anciens. Le design l’aide à structurer cette vision, à organiser le langage, tandis que l’artisanat la relie au sensible, au temps lent.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Dorra Khlass
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Dorra Khlass, Blossom, Vibes, 2024, Tunisie
Dorra Khlass est architecte, designer et céramiste. Fondatrice de Salsal Studio à Tunis, elle explore la céramique comme une matière vivante, façonnée par le geste, le feu et le temps.
Inspirée par les ornementations arabo-islamiques et l’architecture de la médina, sa démarche s’inscrit dans un design contemporain ancré dans l’artisanat, où la lenteur, la matérialité et la singularité du geste sont centrales.
La collection « Blossom » regroupe des luminaires en céramique ; elle célèbre une harmonie subtile entre simplicité formelle et symbolisme profond. Inspirée par une géométrie florale, chaque luminaire dévoile une structure en six pétales qui s’épanouissent autour d’un centre, rappelant la cyclicité de la nature et l’interconnexion des formes. Les tables Vibes s’inspirent du motif géométrique ancestral souvent appelé « The Breath of the Compassionate », un symbole d’équilibre entre expansion et contraction, deux mouvements essentiels de la nature et de nos vies. Ces tables en céramique combinent un savoir-faire artisanal avec une esthétique contemporaine.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Studio Saffar
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Studio Saffar, Dual Domes, 2022-2025, Koweït-Liban
Kawther Alsaffar, designer de produits koweïtienne, a obtenu sa licence en design industriel à la Rhode Island School of Design en 2012, et sa maîtrise en design de produits au Royal College of Art de Londres en 2016. À la RISD, elle s’est plongée dans l’apprentissage de diverses techniques artisanales. Une fois à RCA, elle a fait son apprentissage dans la fonderie de sculptures de Battersea et a effectué des recherches approfondies sur les fonderies au Royaume-Uni et au Koweït, en apprenant leurs différents processus et leurs limites.
Kawther Alsaffar est propriétaire d’une entreprise individuelle, Studio Saffar, fondée au Koweït en 2014. Elle produit des oeuvres d’art moulées dans le sable, enracinées dans l’artisanat local. Elle développe des sculptures qui remettent en question la définition générique du luxe et promeuvent le grain de sable local.
Les Dual Domes sont produits à l’aide d’une méthode de double coulée développée en 2015 par Kawther Alsaffar avec le défunt maître artisan Mahir Mohammad à la fonderie Alwafi au Koweït. Le processus conçu par Kawther est une forme particulière de moulage au sable utilisant deux métaux disparates.
L’industrie de l’artisanat au Moyen-Orient est un écosystème fragile de talents et de compétences. En raison de l’homogénéisation de la production mondiale et de la dévaluation du travail manuel, les savoir-faire ne sont plus transmis de génération en génération. La fabrication des Dual Domes nécessite une communauté d’ateliers, tels que des machinistes, des finisseurs de métaux et des charpentiers, et sont composés de matières premières puisées au Liban et en Syrie. Ils sont la célébration d’une communauté d’artisans et de concepteurs dans la région du Moyen-Orient autant que d’une économie circulaire.
ARTISANAT CONTEMPORAIN_Yassine Touati
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Yassine Touati, 2022, Maroc
Yassine Touati est un designer marocain canadien spécialisé dans les accessoires en cuir et les bijoux. Tout particulièrement influencé par son héritage andalous, ses nombreux séjours dans la ville médiévale de Fès, l’ont initié au monde riche de l’artisanat.
Artiste multidisciplinaire, il s’intéresse à la mode, à l’histoire, aux langues et à la gastronomie. Assistant de recherche pour Ella Shohat, professeur d’études culturelles à l’université de New York, il a traduit des textes arabes et analysé les contributions intellectuelles des juifs irakiens au monde arabe. Depuis 2024, il développe sa propre entreprise.
CANDIDATS SÉLECTIONNÉS DANS LA CATÉGORIE
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND
– BRICKLAB
– CREATIVE SPACE BEIRUT
– DATECRETE STUDIO & LAB
– DINA HADDADIN
– FABRACA STUDIOS
– MARAJ
– TWELVE DEGREES
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Bricklab
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Bricklab, Arabie Saoudite
Bricklab est un studio d’architecture, de design et de recherche expérimentale basé à Jeddah. Il explore l’interaction entre la recherche sur les matériaux, la conception pratique et l’environnement bâti. Le portefeuille – de l’architecture culturelle à la conception urbaine et au conseil, des interventions dans l’espace public à la scénographie et aux installations – reflète une réponse réfléchie aux contextes changeants de chaque projet.
Motivés par un intérêt marqué pour la compréhension des réseaux complexes de la communauté, de la culture, de l’histoire, de l’économie et de la politique qui influencent l’environnement bâti, leurs projets récents se sont concentrés sur la recherche urbaine, la réutilisation adaptative et la régénération.
Le studio a été créé en 2015 par Abdulrahman et Turki Gazzaz. Au fil des ans, leur équipe s’est élargie pour inclure des architectes et des designers de différents horizons et intérêts. Abdulrahman est titulaire d’une licence en architecture et planification de l’Université de l’Ouest de l’Angleterre (Royaume-Uni), tandis que Turki a obtenu une maîtrise en histoire et théorie de l’architecture de l’Université McGill (Canada).
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Creative Space Beirut
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Creative Space Beirut, Liban
En 2011, Caroline Shalala-Simonelli (28 mars 1938 – 22 novembre 2024) a cofondé Creative Space Beirut (CSB) avec Sarah Hermez, créant ainsi une école de stylisme gratuite pour les jeunes défavorisés du Liban. Pendant 13 ans, elle s’est consacrée à l’enseignement et à la construction de l’école, dont elle a façonné la vision et nourri d’innombrables étudiants. L’héritage de Caroline se perpétue à travers l’institution florissante qu’elle a contribué à créer et les nombreuses vies qu’elle a transformées.
Creative Space Beirut (CSB) est une institution à but non lucratif fondée en 2011 qui offre un programme rigoureux de bourses d’études de trois ans en design de mode pour les jeunes talents issus de communautés défavorisées à travers le Liban. En supprimant les barrières financières et en donnant la priorité au mérite, CSB redéfinit l’accès à l’éducation créative, en veillant à ce que la prochaine génération de designers arabes soit façonnée par le talent, et non par les privilèges.
Le modèle éducatif de CSB intègre la préservation culturelle, l’apprentissage par l’expérience et les initiatives d’impact social. Les étudiants s’engagent dans des projets qui explorent l’artisanat patrimonial, la durabilité et les récits sociétaux contemporains, encourageant ainsi une génération de créateurs techniquement compétents, culturellement sensibles et socialement conscients.
L’institution a également un impact sur l’environnement grâce à une formation en design axée sur la durabilité et à des pratiques de production responsables. Les étudiants apprennent le recyclage, la teinture naturelle, l’utilisation des stocks dormants et les techniques de conception zéro déchet, en intégrant dès le départ la gestion de l’environnement dans leurs processus créatifs.
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Datecrete Studio & Lab
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Datecrete Studio & Lab, 2022, MENA Région
Datecrete Studio & Lab est un studio de recherche et de conception de matériaux cofondé par Sara Farha et Khaled Shalkha, créateurs de Datecrete, un matériau cimentaire durable fabriqué à partir de noyaux de dattes. Sara, urbaniste et chercheuse en matériaux, explore l’innovation spatiale et matérielle, tandis que Khaled, ingénieur chimiste spécialisé en politique énergétique, se concentre sur les liants alternatifs et les composites durables.
Leur travail redéfinit les matériaux de construction dans la région MENA, en fusionnant la science, le design et la responsabilité environnementale pour créer des solutions innovantes et inspirées par la région. Leurs recherches ont été présentées dans GQ, Architectural Digest Middle East et Dezeen.
En s’appuyant sur la littérature scientifique, un processus de recherche itératif a été entrepris, testant systématiquement des variables telles que les temps de grillage, les méthodes de séchage, la taille des particules, les rapports de mélange et les conditions de durcissement afin d’optimiser les performances. Chaque étape des tests a permis de mieux comprendre comment les particules de graines de dattes interagissent avec les agents liants, ce qui a permis d’affiner le produit en équilibrant l’esthétique, la résistance, la durabilité et la facilité de mise en oeuvre. Cette expérimentation rigoureuse a conduit au développement d’un système de liant validé en laboratoire qui intègre les traditions régionales en matière de matériaux et l’innovation moderne dans le domaine des composites, formant ainsi la base de Datecrete aujourd’hui.
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Dina Haddadin
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Dina Haddadin, Sabil – The Nomad Pavilion, 2024, Jordanie
Dina Haddadin est une architecte jordanienne et une artiste visuelle multidisciplinaire dont le travail jette un pont fluide entre l’architecture, l’art contemporain et la recherche urbaine. Elle est la fondatrice et l’architecte principale de Kayn.studio, un cabinet de design hybride basé à Amman, en Jordanie, reconnu pour ses stratégies de réutilisation adaptative, ses expérimentations matérielles et ses interventions spatiales à résonance émotionnelle en Jordanie et dans la région.
Sabil–The Nomad Pavilion, une renaissance contemporaine du Sabil islamique traditionnel, qui marie la nature, l’art islamique, l’architecture, l’artisanat, la durabilité et la tradition. Nous voulions créer une structure durable et socialement responsable qui serve à la fois d’abri et de tour de collecte de l’eau de pluie et de l’air, tout en offrant une expérience contemplative qui donne vie aux valeurs nomades et islamiques et qui soit fidèle à son environnement.
Le mot « Sabil » fait référence à la pluie qui tombe du ciel avant d’atteindre la terre. Dans l’architecture islamique, il s’agit d’un lieu public où l’on peut boire ou d’une fontaine destinée à abreuver les passants. Nous avons créé une oasis qui peut être placée dans différents contextes, fonctions et paysages.
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Fabraca Studios
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Fabraca Studios, Liban
Après une formation en architecture, Sam Saadeh a fondé Fabraca Studios au coeur du quartier industriel de Bauchrieh, à Beyrouth, en réponse à un moment critique : un centre-ville économique où de nombreux artisans qualifiés se retrouvaient sans travail. Alliant sensibilité architecturale et passion pour l’artisanat, il a imaginé un studio où les techniques traditionnelles pourraient rencontrer un design d’éclairage de pointe.
En 2025, il a reçu le prix de la Biennale du design de Doha pour la conception de produits, une reconnaissance qui a confirmé son approche de la fusion du patrimoine culturel et des formes contemporaines. Sous sa direction, Fabrace Studios est devenu une référence mondiale en matière d’éclairage sur mesure, au service des architectes et des designers de la région MENA et d’ailleurs.
Aujourd’hui, Sam continue de guider la mission du studio : créer des éclairages qui ne se contentent pas d’illuminer les espaces, mais qui leur donnent un sens.
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Maraj
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Maraj, OFFCUT/CUTOFF, 2024-2025, Bahreïn-États-Unis
Maryam Aljomairi est une architecte et chercheuse bahreïnienne qui s’intéresse aux systèmes de matériaux programmables, à la technologie du bâtiment et à la fabrication personnelle. Maryam est actuellement candidate en deuxième année de doctorat et chargée d’enseignement à l’université de Harvard. À Harvard, elle étudie la minéralisation du carbone pour développer et programmer des structures négatives en carbone dans le cadre de l’Aizenberg Lab et du MaP+S Group.
Latifa Alkhayat est une architecte et chercheuse bahreïnienne. Son travail consiste à explorer les matériaux, les techniques de construction et les systèmes de confort, souvent en mettant l’accent sur la circularité. Elle a obtenu son master en architecture au Massachusetts Institute of Technology en 2023. Elle est titulaire d’une licence en architecture de l’Université de Bath.
Les industries, les systèmes d’infrastructure et les développements urbains sont des mines de matériaux qui se sont accumulés et formés au cours des siècles. Au fur et à mesure que ces mines artificielles sont construites, les vides qu’elles forment, à l’abri des regards, se creusent. Alors que les matériaux vierges traditionnels se raréfient et que leur extraction devient un fardeau pour l’environnement, ces mines représentent un réservoir de ressources dans lequel il est possible de puiser. À une époque où l’ingéniosité est le nouvel impératif, le domaine du design invite à passer d’une aspiration créative sans limite à une appréciation et une observation des matériaux récupérés, transformés et coupés, leur permettant de façonner des poursuites imaginatives. C’est dans cette optique qu’OFFCUT/CUTOFF a été organisé à Sitra, au Bahreïn, en partenariat avec Awal Refrigeration and Air Conditioning. L’objectif du programme était d’allonger les délais et d’augmenter la valeur des matériaux grâce à des interventions de conception qui exploitent les chutes à la fin de chaque chaîne de production, rendant l’acte d’extraction aussi utile qu’il peut l’être. Les étudiants, les ouvriers, les techniciens et les instructeurs ont été collectivement immergés dans un espace de production qui a permis des négociations sur l’utilisation partagée de l’espace, des outils et de l’expertise.
Financements auprès de la Banque nationale de Bahreïn, de Tamkeen, d’Amakin et de l’ambassade des États-Unis à Manama.
PRIX DE L’IMPACT, ARAB BANK SWITZERLAND_Twelve Degrees
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Twelve Degrees, Lammeh, 2023-2025, Jordanie
Twelve Degrees est un studio de design de produit et d’innovation primé, basé en Jordanie et fondé par Sahar Madanat. Animé par la curiosité et l’expérimentation, le studio conçoit des produits durables, centrés sur l’utilisateur et porteurs de sens, alliant forme et fonction.
Reconnue à l’échelle internationale avec plus de 35 prix de design, Twelve Degrees transforme les idées en expériences significatives.
Chaque année, environ 92 millions de tonnes de vêtements finissent dans des décharges dans le monde entier. En Jordanie, les usines RMG génèrent 33,6 tonnes de déchets par jour, qui devraient passer à 220 tonnes par jour d’ici 2033. Tout au long de ce projet, nous abordons le problème et décrivons le processus que nous avons entrepris pour le résoudre.
La durabilité a été au centre des préoccupations tout au long du processus de conception de Lammeh. La conception donne la priorité à un démontage facile afin de promouvoir le recyclage et de faciliter la circularité. Composé de divers éléments, Lammeh peut être démonté sans effort pour être réutilisé ou recyclé à la fin de son cycle de vie. Pour renforcer la circularité, les plis du tissu sont reliés entre eux par une lanière de cuir, et le tissu est fixé au cadre à l’aide de ces plis.
PRIX DU DESIGN DE L’INSTITUT DU MONDE ARABE FINALISTES
CANDIDATS SÉLECTIONNÉS DANS LA CATÉGORIE « GRAND PRIX »
– ALJOUD LOOTAH DESIGN STUDIO
– AW2 ARCHITECTURE & INTERIORS
– LOAY BURWAIS
– SAHAR MADANAT
– MF & ASSOCIATES
– MOULAY HAFID SDIKIENE
– STUDIO MANDA
– ALA TANNIR
– X ARCHITECTS
GRAND PRIX_ Aljoud Lootah Design Studio
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Aljoud Lootah Design Studio, The Falaj collection, 2024, Émirats arabes unis
Aljoud Lootah est une créatrice de produits multidisciplinaire des Émirats arabes unis, connue pour associer l’artisanat traditionnel émirati à une esthétique moderne. Basée à Dubaï, elle dirige Aljoud Lootah Design Studio, un cabinet reconnu pour son travail réfléchi dans les domaines du mobilier, de l’éclairage et de la conception d’objets.
Depuis la création du studio en 2014, Lootah s’est engagée à préserver et à réinterpréter la culture émiratie à travers le design. Ses créations sont enracinées dans le patrimoine mais repoussent les limites avec de nouveaux matériaux, formes et utilisations. Que ce soit à travers la série de sièges Takya ou le diffuseur d’encens Medkhaneh, ses pièces sont minimales mais riches en substance culturelle, contemporaines sans perdre leur origine.
La collection Falaj est une série de meubles contemporains inspirés par les anciens systèmes d’irrigation Aflaj des Émirats arabes unis – des systèmes qui ont non seulement permis l’agriculture et la vie, mais qui ont également façonné les liens sociaux et l’identité culturelle. La collection réinterprète ces voies d’eau historiques à travers un objectif de design moderne, capturant leur flux organique et leur esprit communautaire dans des formes sculpturales et des matériaux tactiles.
Chaque pièce a été conçue pour refléter les courbes naturelles, les séparations et les reconnexions que l’on trouve dans les ruisseaux de Falaj. Les matériaux choisis, tels que le velours vert et le daim gris, font référence aux oasis fertiles des Émirats arabes unis, tandis que le verre texturé et le marbre vert Shangri La des tables évoquent la qualité réfléchissante et fluide de l’eau.
Dans le cadre du processus créatif, l’équipe s’est engagée dans une recherche détaillée et une cartographie mentale, afin de distiller l’essence de l’Aflaj. Des prototypes et des essais de matériaux ont été menés pour identifier des options durables et résistantes aux taches qui répondaient à la fois aux normes esthétiques et environnementales – un effort pour faire écho à la durabilité intégrée dans les systèmes Falaj d’origine.
GRAND PRIX_AW2 Architecture & Interiors
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AW2 Architecture & Interiors, Banyan Tree AlUla, 2019-2022, France
AW2 architecture & interiors est une agence internationale d’architecture et d’intérieurs dirigée par les architectes associés Reda Amalou et Stéphanie Ledoux. Depuis plus de 28 ans, ils jouent un rôle actif dans la société et sont personnellement impliqués dans la conception architecturale de tous les projets, de l’échelle de l’architecture à l’échelle du mobilier.
Basée à Paris, avec des bureaux à Montpellier, à Genève et à Hô-Chi-Minh- Ville au Vietnam, l’agence s’est construite une expérience forte et reconnue internationalement pour la qualité de ses projets. AW2 a également exploré avec succès d’autres types de programme, tels que des lycées, des résidences hôtelières et privées, des projets mixes, des équipements, ou encore des chais en Champagne.
Guidée par les directives de planification stratégique pour AlUla et le programme Vision 2030, la conception d’AW2 répond aux ambitions de l’Arabie Saoudite pour l’avenir, mais aussi à un cadre désertique tout à fait unique, au milieu de formations rocheuses et de sites anciens du patrimoine saoudien. Le projet donne la priorité à la préservation de la beauté naturelle et du riche patrimoine du site, tout en soutenant les objectifs touristiques du pays à long terme pour la région, tant en termes économiques que culturels.
AW2 a adopté une approche respectueuse et l’environnement dans sa conception, optant pour une empreinte légère et furtive des constructions dans le paysage naturel de la vallée d’Ashar. Chaque suite est composée d’une plate-forme très simple, avec une structure en maçonnerie dont la teinte et la matière évoquent les rochers environnants. Diverses couches de toile de couleur sable ont été utilisées pour créer une ventilation naturelle entre le toit des suites et la tente, ainsi qu’une protection solaire. Cette conception à trois niveaux génère des lignes de toit souples qui tendent à mêler l’architecture au paysage alentour. Les enduits évoquant la terre cuite ainsi que les toiles de couleur sable ont été soigneusement choisis pour se fondre dans l’environnement. Ici, l’architecture est dessinée comme un paysage. Les murs du spa ont été montés avec du sable compacté, dont les strates horizontales répondent à celles des falaises de grès alentour.
GRAND PRIX_Loay Burwais
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